Tuesday, October 02, 2007

Muestra 24 Espacio de arte UTN







Michel Grizas

Grizas nos presenta " Sublevados y poco insurgentes" una serie de obras ejecutadas en técnicas mixtas que van desde el acrílico a la fotografía.

Según el autor todas estas piezas surgen como fruto de sus inquietudes y cuestionamientos personales. Se trata de una visión particular que se manifiesta en una obra casi auto-biográfica.

Según el autor cada vez que repara en alguien, inmediatamente realiza una proyección de esa persona a sus 5 años de edad, un niño. Allí es cuando se cuestiona:

¿Por que motivo los adultos hacen sus barbaridades?

“Sublevados y poco insurgentes" trata de expresar en imágenes heterogéneas que el mundo de los adultos es una rara parodia, mezclada con un severo acartonamiento de nuestros corazones”.

Con respecto al espectador el autor desea recibir comentarios de todo tipo, provocar un dialogo y descubrir sensaciones antes ignoradas. Proporcionándonos la libertad de ver lo queramos ver.


Mauro Cano


Mauro Cano

Cano se expresa a través de un lenguaje hiperrealista o fotorealista esta es una tendencia que surge en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que tenia como propósito reproducir la realidad con la misma fidelidad y objetividad que la fotografía, a la que toma como modelo y cuyos códigos aplica.

Sus temáticas surgen principalmente de la necesidad plástica de crear y disfrutar el proceso pictórico.

Sus cuadros poseen imágenes vaciadas de contenidos comprometedores, alejadas de conflictos políticos, religiosos o existenciales.

Sus personajes y objetos surgen de la cotidianidad, se mezclan con lo mágico e irreal, adquiriendo un nuevo concepto distanciado de la forma inicial. Su pintura nos recuerda a Dalí con su visión surrealista del mundo en esa conjunción de imágenes dispares reales o irreales.

Al pintor solo le interesa provocar en el espectador la contemplación de la imagen, mas allá de lo lógico o entendible para el ojo.

El nivel de detalles y su clara exhibición de virtuosismo técnico es importante para el artista, ya que le permite acercarse al concepto de realismo, aunque siempre empapado de ilusión y creación.

María Isabel Giuliani
Sin Titulo II -Tecnica Oleo Sobre tela -Medidas 120X120 .

Sin Titulo -Tecnica Oleo Sobre tela Medidas 120X120 cm.

María Isabel Giuliani

“Convencida que de la sencillez deviene la belleza, pues, juntas nos ponen frente a la verdad y a la simplicidad que desnuda las formas.”

Llegando a un resultado simple después de complejas maniobras de tapar y transparentar manchas iniciales. Al final de la obra, conviven en ella, el calor puro con restos de mezclas tenues, la unicidad y la disgregación, lo estático y lo dinámico, las blandas curvas y las rectas.

En la calma aparente hay tensión y una búsqueda primaria de equilibrio en los opuestos.

Las obras nos traen reminiscencias de pájaros, flores, semillas, figurativamente dentro de un contexto abstracto .Ya que la idea artística originada en la naturaleza supera su origen y muda.

Estas formas aluden al origen, descompuestas luego, quedan vibrando solamente en su color y composición tal como prefiere la artista, en su alegría.

Desea provocar en el espectador la necesidad de descubrir nuevas formas para dar cause a las sensaciones y sentimientos. Que a través de la visión de la sencillez, sea capaz de superar la trama de medios y fines para llegar solamente a la visión de la belleza. Que sea capaz de elevarse a la libertad y de esta forma advierta y surja la denuncia:

No podemos tolerar convivir en una ciudad tapizada de rostros cada vez más gigantes y feos, completamente sucia, con tantas injusticias evidentes, tanta miseria y angustias…

Se nos escapa lo más simple y puro.

Se nos olvida la vida.

Leonardo Lespina.

Titulo: “seis”

Técnica: políptico - mixta sobre lienzo.

Autor: Leonardo Lespina.

Año: 2007

Medidas: ( del conjunto en total ) - 3,50 x 2,30 m. – medidas variables -.






Leonardo Lespina

Según Lespina estas obras surgieron a partir de un deseo de incorporar visiones fragmentadas de la realidad, y de este modo generar en su producción artística el mismo procedimiento.

“Los trabajos que presento son resultado de la fragmentación de la tela. Los motivos de este recurso técnico, que a la vez decanta en un efecto visual particular, son muchos, predominando para todos la inquietud acerca de los “no lugares”, lo indefinible”.

Un "no-lugar" es un término arquitectónico utilizado para designar esos lugares en donde no hay identidad, ni vínculos directos entre el que lo ocupa y el lugar mismo.

Segun Marc Augé:

"Si un lugar puede definirse como lugar de identidad, relacional e histórico, un espacio que no puede definirse ni como espacio de identidad ni como relacional ni como histórico, definirá un [no lugar]."

"la sobremodernidad es productora de no lugares, es decir, de espacios que no son lugares antropológicos y que, no integran los lugares antiguos: [lugares de memoria]."

Al preguntarle que desea provocar en el espectador, el nos responde:

Mi propuesta artística es parte de un discurso sobre los espacios fragmentados, y mi intervención en ellos como espectador del mundo, a partir de elementos simples y universales del lenguaje gráfico. Por este motivo, deseo generar una reflexión esencial sobre los espacios naturales y culturales intervenidos o no, proponiendo al espectador ser parte de un fenómeno visual interpretable, crítico, estético e inderrogable, sin forzar lecturas unidireccionadas.

Verónica Aguirre

El juicio de paris- acrilico sobre lienzo -50 x 70.


l'art est une merde - acrilico sobre lienzo- 50 x 70 .

michaelj- acrilico sobre lienzo- 50 x 70 .

Ups!- acrilico sobre lienzo -50 x 70 .

Venus - acrilico sobre lienzo -50 x 70 .


Verónica Aguirre

Estas obras de pequeño formato según la artista están inspiradas en la mitología clásica.

Particularmente en la obra Venus la artista resignifica una pintura de Sandro Botticelli, (pintor italiano de la escuela de Florencia durante el Renacimiento) titulada” El nacimiento de Venus”exponente del neoplatonismo de la época, con su fusión de temas cristianos y paganos.

Según la artista sus obras principalmente, tratan de recurrir a temas universales como el amor, la guerra, la traición; dándoles una dimensión posmoderna la cual se logra al asociar estos mitos a personajes mediáticos que en el transcurso del tiempo han sido divinizados, ya sea por su destino trágico y prematuro como por su popularidad dentro del medio.

Así desfilan en esta serie denominada mitología contemporánea Marylin, Che, Betty Boop, Superpoderosas, Pickachus, y personajes creados con un estilo pop japonés que pretenden asociarse a ellos.

Se busca lograr que el espectador a través de la asociación de ideas y personajes, se cuestione sobre los valores de la sociedad actual, sobre el lugar que ocupan y la ideología que conlleva cada uno de estos personajes .

La artista pretende hacernos reflexionar en torno a los avances tecnológicos, y sobre la facilidad de información que hacen del mundo la aldea profetizada por McLuhan, que más que darle objetividad a la sociedad por el contrario alimentan este tipo de inclinaciones y modifican nuestra forma de percibir la realidad."

ANDREA DE FIDELIS

CIUDAD PERDIDA' (DIPTICO)-OLEO SOBRE TELA-2005.



'PARAISO I "- 55 X 75 CM- ACRILICO SOBRE TELA-2007.

'PARAISO I "- 55 X 75 CM- ACRILICO SOBRE TELA-2007.

Andrea De Fidelis

Las pinturas de De Fidelis son en esencia obras abstractas vale decir; imágenes que no contienen una, representación figurativa mas bien se inclinan hacia un lenguaje puramente visual, dotado de sus propias significaciones.

Estas obras surgen según la artista de una necesidad personal por encontrar una esfera donde sentirse bien, segura y a gusto. Por tal motivo el espectador se encontrara con obras en donde predomina la utilización de colores vivos, saturados y dominantemente calidos.

Hay en ella, un estudio basado principalmente en la utilización de elementos plásticos; formas irregulares, líneas mixtas, planos lisos de color que se yuxtaponen con delicadas pinceladas vibrantes, manchas cromáticas que se disuelven por medio de límites irregulares.

El motivo que genera su obra es una continua búsqueda sobre los elementos plásticos; resuelta de algún modo a través del color. Siente que el color es vida para el artista y lo expresa de esa “maniera” sobre el lienzo. Kandinsky en uno de sus tantos escritos sobre el arte menciona que la composición pictórica debía surgir de los medios propios del color y la forma estudiados cuidadosamente.

Al preguntarle que desea provocar en el espectador ella responde; “Mi deseo, es estimular una sensación de satisfacción y alegría; quiero que el espectador observe la obra y se sientan bien con ganas de frecuentar un museo, una galería, un salón y que disfruten del arte”.

PAULA BARICHELLO

SERIE: “Ventana sobre un aterrizaje forzoso”



1- Sácate”, 60x70cm, óleos/ cartón prensado.


1- Yoello”, 60x70 cm, óleos/ cartón prensado.


1- Fondo”;60x70cm, óleos/ cartón prensado.



1- Pasan”, 50x70cm, óleos/ cartón prensado.

"¿Como surgieron estas obras?

Con truenos y relámpagos. Y con una gata blanca.

¿Qué desea provocar en el espectador?

La provocación no está definida a priori es una situación que se da o no en el instante mismo en que el espectador ve la imagen.

Cuando se provoca se fuerza, es un acto de artificio.

Prefiero la naturaleza. El deseo viene sólo."